Django Reinhardt

Django Reinhardt

Desde que empezó a atraer la atención pública en los años treinta, tocando jazz con la guitarra acústica, el guitarrista belga Django Reinhardt ha servido de inspiración a generaciones enteras de guitarristas, además de agotar el repertorio de superlativos de los críticos.

Jean Baptiste "Django" Reinhardt nació en una caravana gitana el 23 de enero de 1919. Durante sus primeros años, viajó con su familia por Bélgica y Francia. Más tarde, París fue el centro de la mayor parte de sus actividades musicales. Django se interesó por la música muy pronto, y a los trece años de edad ya tocaba el banjo en el Bal-Musette, célebre local de la vida nocturna parisina de los años veinte. Hasta los quince años, Django tocaba música claramente europea, con un fuerte sabor hispano, pero cuando oyó por primera vez jazz americano, su conversión fue instantánea.

En sus últimos años, Django experimentó con guitarras eléctricas, además de sus acústicas Maccaferri

A los dieciocho años sufrió su legendario accidente: un incendio que estalló en su caravana le produjo graves quemaduras y, después de meses de tratamiento, quedó con los dedos medio y anular de la mano izquierda permanentemente deformados e inutilizados. Sin embargo, no sólo combatió este impedimento sino que desarrolló toda una nueva gama de técnicas y un estilo totalmente nuevo. 

En 1933, Django y el violinista Stephane Grappelli, que tocaba en la misma banda que él en el Hotel Claraidge de París, decidieron formar su propio conjunto. En 1934, la formación incluía a Django a la guitarra, Grappelli al violín, Roger Chaput y el hermano de Django, Joseph, a las guitarras ritmicas, y Louis Vola al cntrabajo. Alcanzaron fama internacional como el Quinteto de Hot Club de Francia. En su primer concierto, causaron tanta impresión que la recién formada compañía Ultraphone les ofreció una grabación de prueba. Aún no existía la grabación en cinta, de manera que las sesiones se grabaron directamente en el disco. El primer título que grabaron fue "I saw Stars", al que siguieron "Lady Be Good", "Tiger Rag" y "Dinah". La compañía quedó impresionada y les ofreció un contrato en firme. El quinteto siguió trabajando unido hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial.

El 1946, Django debutó en América, haciendo giras con Duke Ellington. Sus discos y su reputación le habían precedido y se le dispensó un gran recibimiento. 

Nunca ha decaído el interés por el estilo de guitarra de Django, y los discos en los que tocó se han seguido vendiendo con regularidad durante cincuenta y cinco años. Ha tenido miles de imitadores, pero ninguno ha igualado su combinación de virtuosismo, proyección, expresión e inventiva con la guitarra acústica. Tanto sus ritmos como sus punteos eran devastadores. Las cuerdas hacían vibrar literalmente la caja de resonancia, para lo cual, Django usaba probablemente cuerdas bastante gruesas. Tocaba con tal fuerza que ninguna guitarra le duraba más de seis meses. 

El Quintet du Hot Club de France

El nombre de Django se ha asociado siempre al del diseñador Mario Maccaferri. Las características guitarras que tocaban Django y los demás guitarristas de su quinteto estaban fabricadas por la compañía francesa de Henry Selmer, siguiendo diseños individuales de Maccaferri. Estaban diseñadas para obtener de ellas la máxima proyección, lo que le permitía tocar en clubs ruidosos sin amplificación. 

Es difícil enumerar las cualidades que definen el estilo de Django. El contenido emocional de su música era tan impresionante como su capacidad técnica. 

Sus fuertes vibratos, sus originales octavas y sus ritmos, han inspirado a generaciones de guitarristas. Sus composiciones figuran entre las mejores que se han escrito para guitarra acústica. No sabía leer música, en incluso se rumorea que tampoco sabía leer ni escribir. Y con todo, en una fiesta privada, consigió asombrar a Andrés Segovia. Cuando el padre de la guitarra clásica moderna le preguntó dónde podía conseguir la partitura, Django le explicó riendo que sólo había estado improvisando. 

Django murió en mayo de 1953, a los cuarenta y tres años de edad, dejando un rico legado de música grabada que continua deleitando, confundiendo y estimulando a guitarristas de todo el mundo.

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La primera vez que escuché a Django, sabía que iba a escuchar una grabación antigua, sabía que iba a escuchar a un guitarrista con mucho talento, y sabía algunas cosas mas... pero lo que no sabía era que el guitarrista que iba a escuchar marcaría mi forma de improvisar de por vida, y que verdaderamente sus fraseos son toda una fuente inagotable de imaginación para la hora de improvisar.

James Jamerson

James Jamerson

El único contrabajo que tuvo lo consiguió por 200 dólares después de graduarse. Hasta entonces había estado tocando el piano y brevemente el trombón. En 1957, ya tenía una pequeña reputación en el circuito local de jazz. Sus influencias eran Ray Brown y Paul Chambers. Trabajó por esta época con Kenny Burrell, Yusef Latef y John Lee Hooker.

En 1958, ya despuntaba en el mundo de la grabación, trabajando para Northern Records. Fué por estas fechas cuando empezó a grabar para el sello de Berry Gordy, Motown. La grabación de los Miracles de "Way Over There" (1959) es la primera que puede acreditársele con seguridad. Trabajaría para Motown hasta 1973.

En 1961 hizo una gira con Jackie Wilson, con la condición de tocar el bajo eléctrico. La leyenda dice que dominó el instrumento en dos semanas. A partir de este momento la mayoría de su trabajo fue cambiando al eléctrico, aunque a veces convencía a los productores para que le dejaran usar el contrabajo. En otra ocasiones grababa una pista de contrabajo y añadía otra de bajo eléctrico encima para conseguir más pegada. Lo hacía con tata exactitud que era difícil distinguir un instrumento de otro.

Durante los años sesenta fue EL BAJISTA de Motown. Jamerson y sus compañeros, los Funk Brothers, grabaron cientos de éxitos a lo largo de esta década. Esta banda desarrolló un sonido que se dió a conocer comercialmente como "The Sound of Young America". En una sesión de grabación normal y corriente se podían grabar varios números uno para Stevie Wonder, The Temtations o Marvin Gaye, entre muchos otros. James se convirtió en un factor tan importante para Motown que las sesiones de grabación se posponían hasta que él estuviera disponible.

Jamerson podía leer una parte textualmente (era un formidable lector), improvisar sobre una parte de referencia (se le solía pedir), o bien construir una línea si tenía libertad para hacerlo. Sin embargo, es muy raro encontrar una mención expresa a Jamerson en los créditos de los discos que grabó, aunque una vez hayas oído su sonido y su "groove" te será relativamente fácil reconocerle, La mayoría de los bajistas de aquella época (y muchos de ahora) desconocían su nombre, refiriéndose a él como"el tipo que toca para Motown". No fué hasta 1971 que recibió crédito en un disco de primera magnitud, al ser citado como "el incomprarable James Jamerson" en el disco multiplatino "Whats Goin´ On" de Marvin Gaye.

Su bajo (hoy perdido; fué robado en 1983) se llamaba "The Funk Machine". Era un fender Precision ´62 Sunburst de serie, con la campana, la pieza de metal central y el "mute" sin quitar. Tenía la palabra "Funk" grabada en el talón del mástil. El ajuste del bajo era muy alto y la espuma del "mute" mataba la vibración de las cuerdas, costumbre muy común en los bajistas de la época. Las cuerdas eran Labella flatwounds de calibre grueso y tenía la costumbre de no cambiarlas hasta que se rompían. En directo utilizaba un Ampeg B-15 para garitos pequeños y un Kustom con dos 15" para grades salas. En estudio grababa directo a mesa. Jamerson (apodado por sus compañeros "Igor") pulsaba únicamente con un dedo: El índice de la mano derecha, al cual llamaba "The Hook" (El Garfio).

En los años 70 Jameson se trasladó a la costa oeste de EE.UU. sin los Funk Brothers, como parte de la reestructuración de Motown. Por desgracia, esta aventura acabó en fracaso y Jamerson puso su talento al servicio de otros artistas fuera de Motown: Tom Jones, Robert Palmer, Joan Baez, Bill Withers... y a grabar bandas sonoras para películas y televisión (es él quien toca la línea de bajo de "Los hombres de Harrelson"). Se le puede oír en cerca de treinta números uno en la década de los setenta.

La muerte de su amigo y baterista Benny Benjamin fué un gran golpe para él. El alcohol mermó paulatinamente sus facultades, apartándole de la élite. En los últimos años de su vida, Jamerson fué víctima de una profunda amargura, sintiéndose maltratado y olvidado por la industria discográfica. Falleció de neumonía y cirrosis hepática el 2 de agosto de 1983 en Los Ángeles. Muchos que le conocieron dicen que murió de la pena que llevaba dentro.

Fuente: Paco Benítez

Esperanza Spalding

Esta contrabajista y cantante está ganándose a pulso un merecido reconocimiento internacional, y es la prueba palpable de que los sueños se cumplen para las personas que se lo trabajan. Nacida en una familia muy humilde y huérfana de padre a una edad muy temprana, fué su madre quien la alentó para estudiar música, empezando a tocar el violín a los 5 años de edad. Unos años mas tarde, quiso estudiar en la mejor escuela de música del mundo, la Berklee de Boston. Pero supondría una inversión económica fuera de toda posibilidad. Este obstáculo fué salvado gracias a los ánimos y la intervención de Pat Metheny, que sólo tuvo que escucharla una vez para darse cuenta de que tenía ese "algo" esa "fuerza" que la impulsaría a brillar de la manera especial en que brillan las estrellas de jazz. Gracias a esa intervención del reconocido guitarrista, Esperanza consiguió actuaciones con músicos de prestigio que le permitirían costearse la escuela.

Actualmente es la profesora mas jóven de la citada escuela Berklee, tiene ya dos discos con su nombre y está nominada para los grammy en la categoría "Best New Artist".

Esta es su Página oficial donde además se pueden escuchar pequeños fragmentos de sus discos. 

Wade in the water, Eva Cassidy

Después de conseguir reconocimiento en la escena local, Eva rechazó todas las ofertas de discográficas que le llegaban, pues le imponían adaptar su voz a un estilo mas pop. Siempre vivió en su granja a las afueras de Washington, y se dedicó a realizar actuaciones dentro de un circulo muy estrecho. Fué comparada con Ella Fitzgerald por músicos reconocidos e incluso el Washington Post publicó que ella "podía cantar cualquier canción y conseguir que fuera la única música que importara", ya que sólo hay que escuchar como mezcla la potencia de su voz con una sensualidad fuera de toda duda. Murió a los 33 años por un cancer de piel, pero no sin dejarnos algunas joyas como la que comparto hoy con vosotros.